Reseña del álbum clásico: Miles Davis – Bitches Brew

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Aunque muchos lo consideran la Estrella del Norte del género, Miles Davis siempre tuvo una relación complicada y fascinante con el jazz. Ya sea que estaba sentando las bases para el jazz cool o avanzando el jazz modal en grabaciones históricas como Milestones y Kind of Blue, el implacable empuje de límites de Davis mantuvo al mundo del jazz alerta durante décadas. La mayoría de sus innovaciones fueron bien recibidas y celebradas, pero otras desafiaron incluso a sus defensores más ardientes a seguirlo a nuevos escenarios. Casi 30 años después de su muerte, Davis sigue siendo un héroe del jazz y un astuto rebelde. Es el defensor más famoso del género y su mayor antagonista.

Pero la mayor innovación musical de Davis sacudió no solo el jazz, sino también la música popular en su conjunto. A fines de la década de 1960, Davis comenzó a hacer cosquillas en el espacio entre el jazz y el rock. Su primer paso oficial a la fusión, In a Silent Way, de 1969, fue una escapada tranquila, meditativa pero aún impresionante de las avenidas de jazz más tradicionales que había pasado su carrera explorando hasta ese momento. Pero si In a Silent Way fue un aterrizaje suave en un nuevo territorio musical, fue solo un preludio al estruendoso chapoteo que hizo en Bitches Brew, cuyo efecto dominó continúa retumbando 50 años después.

Bitches Brew, un hito de improvisación coloreado por guitarra, bajo, batería, bocinas, teclados e instrumentos de viento, es el sonido de la brecha que se cierra considerablemente en dos universos musicales que durante mucho tiempo se consideraron islas entre sí. El jazz, después de todo, era profundo, emotivo y sofisticado. El rock and roll era salvaje e incorregible, una emoción barata. Puede que valga la pena debatir si Bitches Brew elevó el rock o bajó el jazz al nivel anterior. Pero lo que es menos discutible es cómo rompió las barreras musicales, abriendo nuevas vías para que las generaciones de bandas y músicos de todo tipo exploren.

Grabado unas semanas después de Woodstock en agosto de 1969, el disco fue el primero en la historia del jazz en ser verdaderamente coloreado e informado por la floreciente contracultura de los años 60. Davis se inspiró especialmente en Jimi Hendrix, cuya magia y valentía con la guitarra rompieron preconcepciones no solo de lo que podría ser el rock and roll, sino también de quién podría tocarlo. Hendrix se había convertido en la voz negra más fuerte de la música rock, y Davis intentó llevar su música a este nuevo reino psicodélico.

Para hacer el trabajo, Davis reunió un pequeño ejército de músicos alrededor de su actual banda de gira de Chick Corea (piano eléctrico), Jack DeJohnette (batería), Wayne Shorter (saxo tenor) y Dave Holland (bajo). El disco utilizó múltiples tecladistas y bajistas y hasta tres bateristas para ofrecer lo que esencialmente sería una extensión más agresiva y vanguardista de In a Silent Way. También dio la bienvenida a un joven guitarrista, John McLaughlin, en el redil, que demostraría ser central en la transición de Davis a la música rock.

“Me estaba preguntando sobre Jimi (Hendrix)”, dijo McLaughlin a The Guardian en una entrevista reciente sobre el 50 aniversario de Bitches Brew. “Habíamos jugado juntos y amaba a Jimi. Miles nunca lo había visto. Entonces, lo llevé a este cine de arte en el centro de la ciudad para ver la película Monterey Pop, donde Jimi terminó arrojando líquido para encendedor sobre su guitarra y prendiéndole fuego. Miles estaba a mi lado diciendo: “¡Joder!” Estaba encantado “.

Davis ofreció a la banda poco más que un acorde o un estado de ánimo para trabajar, dejando la puerta abierta para la improvisación musical. Una gran parte de la emoción de escuchar Bitches Brew cinco décadas después proviene de escuchar el sonido de un disco que se desarrolla en tiempo real. Con Davis al timón, la banda estaba haciendo el camino mientras lo caminaba.

“Pharoah’s Dance”, con una duración de 20 minutos, no solo consume todo el primer lado del disco, sino que también presenta su increíble alcance y amplitud. La banda se abre suavemente con la trampa de DeJohnette, que eventualmente se despliega en períodos de caos independiente antes de regresar suavemente a la tierra. Este patrón se repite a lo largo del registro, con cada pista disminuyendo y fluyendo a través de fases de tranquilidad y agresión por igual para crear la impresión de múltiples pistas en capas en una sola. Bitches Brew es un verdadero esfuerzo de banda, y Davis da generosamente a cada uno de sus jugadores su momento para tomar la delantera. “Spanish Key” está dirigida por DeJohnette y el ritmo robusto y bajista de Harvey Brooks. Corea y McLaughlin cada uno rip solos salvajes, de libre asociación en “Miles Runs the Voodoo”. Davis se retira de “John McLaughlin” por completo para dejar que su guitarrista baile encima de la pista. Más corto, mientras tanto, escribió el álbum suave y relajado más cerca, “Sanctuary”.

Aún así, Bitches Brew es ante todo un récord de Miles Davis, y las trompetas agotadas y de trompeta de alto registro del líder de la banda roban en gran medida el espectáculo. El dominio suave exhibido con sus conjuntos pasados ​​a menudo queda en segundo plano ante las explosiones de intensidad frenética que hacen que sus discos anteriores suenen pesados ​​en comparación. Las posibilidades de Bitches Brew podrían ser su atributo definitorio, pero no lo querían para los fanáticos de toda la vida de Davis. De la misma manera que Dylan rechazó las expectativas del público popular al volverse eléctrico unos años antes, la comunidad del jazz criticó a Davis por sacar su música de su bolsillo. Para ellos, Bitches Brew ensució el terreno asustado al tomar demasiadas libertades en sonido y estructura.

Pero cualquiera que sea la lealtad que Davis perdió en los círculos de jazz, lo compensó con creces entre el público más joven del lado del espectro del rock. Bitches Brew se alejó mucho del curso trazado de cualquier cosa que pudiera llamarse jazz en ese momento, pero encajó de la mano en un zeitgeist musical más amplio que se estaba calentando con la idea del alma, el funk y la psicodelia compartiendo espacio con el rock y el rock. rodar. Lanzado el 30 de marzo de 1970, el récord subió a 35 en el Billboard 200, se llevó a casa el Grammy al Mejor Álbum de Gran Conjunto de Jazz al año siguiente y vendió más de un millón de copias. Y mientras los jazzbos se burlaban de la negativa del disco a apaciguar a la vieja guardia, Bitches Brew demostró irónicamente ser una bendición comercial y cultural para el jazz estadounidense. El éxito del disco rejuveneció el interés de la gente en la música de jazz, y la fusión en particular. Tal como lo había hecho en el pasado, Davis vio el futuro del jazz en Bitches Brew y llevó el género con él.

Davis nunca cortejó la controversia como artista, pero tampoco se rehuyó cuando se interpuso en el camino de lo que buscaba lograr. Esa actitud al final vale tanto la pena celebrar como las innovaciones musicales sísmicas de Bitches Brew. El registro fue una victoria para la integridad artística, y su espíritu renegado ha sobrevivido a través de innumerables registros a lo largo de los años que tuvieron el coraje de salir de las líneas. Está allí en la locura de muestra de Paul’s Boutique, que Davis profesó amar mucho antes que los fanáticos y los críticos. Thom Yorke ha citado el registro como una influencia detrás del desarrollo del propio trabajo maestro de Radiohead, OK Computer. La infiltración del jazz en el hip-hop en los años 90 fue posible en parte por la prueba que ofreció Bitches Brew del atractivo cruzado del jazz. Y con su indiferencia hacia las reglas de género, incluso se podría argumentar que el disco se encuentra entre los primeros pronosticadores del punk, en actitud si no en sonido.

En una era cada vez menos interesada en las etiquetas y la categorización limitada, Bitches Brew de alguna manera siente tanto tiempo como hace 50 años. Sigue siendo uno de esos registros raros que existe en su propia arena. Está ahí no solo para los puristas del jazz y los esnobs del rock, sino para cualquiera que tenga la curiosidad de escuchar con los oídos llenos y sin expectativas.

Pistas esenciales: “La danza de Pharoah”, “John McLaughlin”

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