Crítica del álbum clásico: The Clash – London Calling

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Crítica del álbum clásico: The Clash - London Calling

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Viviendo en Gran Bretaña a fines de los años 70, no se le podía culpar por pensar que el mundo estaba llegando a su fin.

De hecho, el mundo, como todos sabían, ya había terminado. Las tres décadas de crecimiento económico y el generoso gasto público de Gran Bretaña habían terminado. Los primeros ministros iban y venían, cada uno más desventurado que el anterior. La inflación y las crisis petroleras en el Medio Oriente precedieron a una serie de huelgas a fines de 1978, el llamado “Invierno del descontento”. El documento de registro suspendió la publicación. Los conductores de ambulancias se negaron a responder a las llamadas de emergencia. En un terrible giro de Tucídide, los cadáveres comenzaron a amontonarse sin enterrarse, incluso los sepultureros abandonaron sus puestos.

En marzo de 1979, el segundo reactor nuclear en Three Mile Island en Pennsylvania entró en crisis parcial. Informes periodísticos en Gran Bretaña advirtieron sobre la posibilidad de inundaciones cataclísmicas que azoten Londres como resultado del aumento de los mares. Es fácil imaginar que el líder de Clash, Joe Strummer, deje su copia del Times para mirar con inquietud al Támesis desde su departamento, en un brutal proyecto de vivienda pública en Chelsea llamado: ¿qué más? – el fin del mundo.

Todo esto está ahí para escuchar en el latido paranoico, de bordes romos de la canción principal en London Calling, la obra maestra de 1979 de The Clash. Los informes apocalípticos se dan primero en tonos quejumbrosos, luego casi de manera desgarbada, intercalados con la repetición maníaca y ominosa del “llamado de Londres”, una frase impregnada de tradición nacional (se anunciaba al comienzo de cada transmisión de radio de la BBC). El coro, que se eleva en una oleada triunfante, invoca un desafiante humor negro. “Se espera un deshielo”, advierte Strummer. “Pero no tengo miedo, porque Londres se está ahogando, y yo … ¡vivo junto al río!”

The Clash ya estaban en una posición incómoda para 1979. El terreno debajo de ellos había cambiado: la primera ola de punk había terminado con la desaparición de los Sex Pistols en 1978, y el movimiento estaba en proceso de desenredarse en los hilos separados que continuaron desarrollándose en diferentes direcciones a lo largo de la década de 1980: hardcore, New Wave, post-punk, etc. Su segundo álbum de larga duración, Give 'Em Enough Rope de 1978, había funcionado bastante bien pero había decepcionado las expectativas para el mercado estadounidense. ¿Qué le quedaba a The Clash, excepto quizás vender?

The Clash, y bandas punk como ellos, habían repudiado ferozmente el rococó psicodélico del rock de los años 60. Habían denunciado la influencia estadounidense, denunciaron a Elvis, The Beatles y The Rolling Stones, todo con razón. A pesar de todas las contribuciones que los 60 hicieron al rock, esa época también envenenó el pozo. A mediados de los años 70, el rock se había convertido en sacarina y lento, de pelo largo y loto, y cualquier pureza o fuerza social que poseía anteriormente se había disuelto con apenas un rastro entre los 10.000 solos de guitarra tediosos.

El punk fue la reacción vencida y sobredeterminada. Pero, ¿podrías realmente pasar toda tu carrera escribiendo canciones de dos minutos con los mismos tres acordes y los mismos gritos de borracho? Los Ramones parecían contentos de hacerlo. Pero como regla general, porque el punk era puro, también parecía necesariamente efímero. “¡Pero no nos mires!” va la línea de “London Calling” – The Clash avergonzado después de haber destrozado los ídolos del rock y no saber qué hacer a continuación. Una reexpresión del credo punk tendrá que hacer: “Phony Beatlemania ha mordido el polvo”.

¿Qué haremos ahora? Si estabas pensando en cambiar tu sonido, realmente no se te permitía, como punk, tomar prestadas influencias de épocas pasadas en el rock. Después de todo, ¿no era la idea rechazar todas esas tonterías? Los punks habían sido como niños impetuosos, corriendo arriba y abajo por el pasillo de piedra y golpeando todas las puertas en la cara de todos. Para bandas como The Clash, que tenían la ambición de ser no solo una banda de punk, sino también una banda de rock de primer nivel, ganar un futuro iba a tener que implicar, si no se vendía, al menos un poco de dificultad tímida. a algunas de esas puertas cerradas y abriéndolas nuevamente.

Anexo A: la segunda canción del álbum, “Brand New Cadillac”, una versión del himno a la cultura automovilística estadounidense de Vince Taylor. Tanto por estar “aburrido de los EE.UU.” Por supuesto, las nuevas influencias en el sonido de The Clash no eran solo estadounidenses, había ska, también reggae, sino que incluso los críticos en ese momento señalaron que estaban empezando a sonar como, Dios no lo quiera, The Rolling Stones. Para todos, excepto los fanáticos del punk, ¡eso no fue tan malo!

El futuro de Clash iba a tener que implicar cierto grado de mirar hacia el pasado. De esa manera, no fue totalmente diferente al futuro de Gran Bretaña, que amaneció en ese mismo momento en forma de Margaret Thatcher, cuya reestructuración de Gran Bretaña durante los años 80 implicó mirar hacia atrás, en la retórica, si no siempre de hecho, a una época anterior al bienestar estado.

La banda logró mirar hacia atrás a la historia de una manera completamente original en dos gemas particulares que comienzan en el segundo lado del álbum, canciones de una complejidad política y narrativa de las cuales hubiera sido fácil, antes de 1979, pensar que The Clash era incapaz.

“Spanish Bombs” es la mitad de la balada amorosa de Joe Strummer a Palmolive, un miembro nacido en España de la banda de punk femenina The Slits con la que estaba saliendo en ese momento, y media reflexión sobre la Guerra Civil española, inspirada en las memorias clásicas de 1938 de George Orwell de su tiempo luchando por el bando republicano, Homenaje a Cataluña.

El español que Strummer inyecta en el coro (“Yo te quiero infinito, yo te acuerda, oh mi corazón”) es hilarante en su imprecisión con acento inglés. Para ser justo con Strummer, describió el lenguaje que estaba empleando no como castellano estándar sino más bien “Choque español (sic)”, un término que captura su intención errante y sincera. Del mismo modo, una referencia fuera de lugar a Costa Rica, un país que se encuentra a medio mundo de distancia en América Latina, no puede despojar a la canción de su resonancia genuina y armónica, sus toques nostálgicos de aficionado pero al estilo de Lorca, dibujando el paisaje y el carácter en absoluto sangrienta belleza También se sabe que la canción también fue una alegoría de los Problemas en Irlanda del Norte.

“The Right Profile”, inspirado en un libro entonces popular sobre la trágica vida de la estrella de Hollywood de los años 50 encerrada y drogadicta Montgomery Clift, se abre con acordes de guitarra y cuernos llenos de júbilo. Centrado en el momento en que un Clift drogado se quedó dormido al volante y chocó su automóvil, la proclamación del coro, tal vez desde la perspectiva de un transeúnte que se cruza con la estrella de cine herida, se entrega como si estuviera en estado de shock genuino: “Eso es Montgomery ¡Clift, cariño!

Las heridas de Clift fueron tan graves, según la historia, que el resto de una película en la que estuvo tuvo que ser filmada desde un lado de la cara que había sufrido menos daños por el accidente, de ahí el título de la canción. La mención de la canción de su lesión – “La cara de Monty está rota en una rueda” – se las arregla para ser a la vez realista y comprensivo en varios niveles. La metáfora, el castigo medieval de ser roto en el volante, sugiere la tortura interior que sufrió Clift, obligado a ocultar su naturaleza. ¿Quién dijo que The Clash eran simples punks?

Sin embargo, no habían olvidado sus raíces: el clímax de la canción, un clásico momento de Choque, ve a Joe Strummer vencido por su propia energía al final de una secuencia de versos, finalmente soltándose en un grito tartamudo, perfecto e incipiente. , que suena algo así como, “Auufff ghtughh pkuughhh p'kggh – AUUGGGHH!”

London Calling es variado y, al mismo tiempo, impresionantemente consistente, ¡mucho más que, por ejemplo, el seguimiento de la banda en 1980, Sandinista! Los trapos en su mayoría comprenden críticas torpes del capitalismo (el “Koka Kola” de Madison Avenue, de cuarta categoría, y el “Perdido en el supermercado” más querido pero apenas menos rancio). Del mismo modo, la adición de último minuto del álbum, “Train in Vain”, puede haberle valido a la banda su primer gran éxito en los Estados Unidos, pero con su mansedumbre y su sonido casi de los años 60, parece una rendición tonta a las listas. Casi mejor, el álbum había terminado con “The Card Cheat”, una canción ambiciosa y de gran sonido que reúne el impulso de la historia detrás de él, empuñando referencias a las guaridas de opio y la Guerra de Crimea y culminando en una especie de recuerdo mori.

El Choque ya no era la vanguardia que habían sido antes. Parecen admitir tanto en “Death or Glory”, una especie de recordatorio de la inevitabilidad de la venta, que contiene un aforismo memorable, si bien grosero, a este efecto (“El que f *** s monjas más tarde se unirá la Iglesia”). Pero habían logrado hacer algo que era interesante en sus propios términos, no simplemente como parte de un movimiento: un álbum que mostraba el rango de su gusto, uno que nadie más podría haber hecho, y que por estas razones merece su lugar. en las listas de lo mejor de la década más que su trabajo anterior. Cada capucha barata llega a un acuerdo con el mundo, pero esta es mejor que la mayoría.

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